¿Qué te saca de la cama en la mañana? ¿Qué te motiva a ir a un trabajo que quizás no te guste, a estar sano, a ahorrar para comprar una casa o un coche de lujo? Me gustan las cosas que no entiendo. Por eso no me importó la turbulencia de ayer ni la lluvia de hoy; la incertidumbre no me molesta.

La mayoría de los estadounidenses desean lograr la llamada "buena vida". La percepción de la "buena vida" como un pináculo económico comenzó a perder fuerza en la década de 1970. El título Vegyn se origina en mi interés personal en un productor musical del mismo nombre, a quien percibo viviendo una versión sintetizada de este estilo de vida idealista y aspiracional.

El título de la exposición, aunque engañoso como ancla o en asociación con la salud física, tiene sus raíces en una mentalidad y una forma de vida aprendidas. La muestra se sumerge en temas que giran en torno al término "anti-estructura", que fue acuñado por el antropólogo Victor Turner en 1969. La anti-estructura es el estudio de un estado de limbo mental y espiritual que se experimenta durante la segunda etapa de cualquier rito de pasaje - la etapa liminal. Es cuando el noviciado no está ni aquí ni allá, sino en medio, quedando envuelto en una agitación duradera, un desorden y un vacío sobrenatural. La antiestructura describe así una etapa de transformación perpetua caracterizada por momentos de disolución en los que "las jerarquías estructurales se aplanan o se invierten". Mientras que la ideología dominante del día era que tal ruptura resultaría en anomia y angustia, Turner reconoció que en tiempos de gran casualidad, la cultura se reinicia y surgen nuevos símbolos, modelos y paradigmas.

Nnamdie ha invertido repetidamente el arquetipo de la realización de exposiciones y, por lo tanto, el conjunto de relaciones escenificadas con precisión en una forma de arte. Con la exposición Vegyn, concibe una escenografía que reúne y replantea obras fundamentales de monumentales figuras contemporáneas, enfatizando aspectos de legibilidad, tacto, fragilidad y agresión a través de varios medios.

ARTISTAS:

Darren Bader (n. 1978, Bridgeport, CT) estudió cinematografía e historia del arte en la NYU (BFA, 2000). Vive y trabaja en Nueva York y en tránsito. Los caballos de batalla conceptuales de Bader incluyen: trabajos de palabras, emparejamientos, esculturas imposibles, atribuciones erróneas, fetichismo de objetos y esculturas basura. Sus exposiciones suelen ser de naturaleza colaborativa, explorando y cuestionando la interconexión de objetos aparentemente dispares a través de complejos (re) arreglos, yuxtaposiciones sorpresivas y asociaciones absurdas. Las exposiciones individuales institucionales incluyen fruits, vegetables; fruit and vegetable salad, Whitney Museum of American Art, Nueva York, NY (2020); (@mined_oud), Madre, Nápoles, Italia (2017-2018); Meaning and Difference, The Power Station, Dallas, TX (2017); chess: relatives, High Line Art, Nueva York, NY (2017); light (and) regret, Kölnischer Kunstverein, Colonia, Alemania (2015); Where Is a Bicycle’s Vagina (and Other Inquiries), or Around the Samovar, 1857, Oslo, Noruega (2012); and Images, MoMA PS1, Nueva York, NY (2012). Galardonado con el Premio Calder en 2013, Bader ha participado en numerosas exposiciones colectivas y bienales, incluida la 58a Bienal de Venecia, Venecia, Italia (2019); Stories of Almost Everyone, Hammer Museum, Los Ángeles, CA (2018); .com / .cn, K11 Art Foundation Pop-up Space, Hong Kong, China (2017); One, No One and One Hundred Thousand, Kunsthalle

Dan Colen (n. 1979 en Leonia, Nueva Jersey) La obra de Dan Colen, que abarca pintura, escultura, fotografía, performance e instalación, explora las tensiones entre la figuración y la abstracción, lo abyecto y lo sublime, lo oportuno y lo atemporal. Las primeras pinturas de Colen investigan las formas y los personajes que pueblan nuestro imaginario colectivo. Hoy en día, continúa investigando mitologías y arquetipos culturales en varios medios, apropiándose de imágenes de películas animadas, catálogos de pedidos por correo, abstracción modernista y graffiti callejero para crear un léxico artístico que colapsa insistentemente los límites entre lo alto y lo bajo.

Recibió su BFA en 2001 de la Escuela de Diseño de Rhode Island, Providence. Su trabajo se encuentra en varias colecciones públicas, incluido el Museo Whitney de Arte Americano, Nueva York; el Museo y Jardín de Esculturas Hirshhorn, Washington, DC; la Galería de Arte Albright-Knox, Buffalo; el Museo de Arte Contemporáneo de Los Ángeles; Moderna Museet, Estocolmo; y el Espacio de Arte Contemporáneo de la Colección de la Cruz, Miami. Las exposiciones individuales recientes incluyen Dan Colen - Works from the Astrup Fearnley Collection, Oslo (2018); Sweet Liberty en Newport Street Gallery, Londres (2017) Help! at the Brant Foundation Art Study Center, Greenwich, Connecticut (2014); The L ... o ... n ... g Count en el Edificio Walter De Maria, Nueva York (2014); Psychic Slayer en el Museo de Arte Contemporáneo Herning, Dinamarca (2015); Shake the Elbow en la galería de arte Albright-Knox, Buffalo (2015); y Oil Painting en el Dallas Contemporary (2016).

Rose Salane (n. 1992, Nueva York, EE. UU.) Es una artista radicada en Nueva York que trabaja con texto, encuentra objetos y archivos personales para reexaminar momentos sociales y culturales significativos. Salane trabaja en colaboraciones entre disciplinas como la planificación urbana y la sociología para comprender los sistemas, las estructuras y el trabajo de la sociedad en medio del entorno construido. Al hacerlo, su trabajo aborda las verdades arraigadas en los testimonios de quienes fueron testigos de las `condiciones y el período de tiempo que se examinan, a menudo revelando narrativas que de otro modo serían inaccesibles a través de una lente macrohistórica. Salane ha expuesto anteriormente en The New Museum, Nueva York, NY (2021); Museo de Arte Hessel en Bard CCS, Annandale-on-Hudson, NY (2021); MIT List Visual Arts Center, Cambridge, MA (2019); Museo del Guangdong Times, Guangzhou, China (2019); LC Queisser, Tbilisi, Georgia (2019) y Carlos / Ishikawa, Londres (2018). Salane tiene un BFA de The Cooper Union para el Avance de la Ciencia y el Arte y una Maestría en Planificación Urbana de la Escuela de Arquitectura Bernard & Anne Spitzer en The City College of New York.

Agathe Snow (n. 1976, Córcega, Francia) vive y trabaja en Long Island, Nueva York. Ha mostrado a nivel nacional en la Fundación Brant, Greenwich, CT; New Museum, Nueva York, NY; el Museo Whitney de Arte Americano, Nueva York, NY; y el Museo Solomon R. Guggenheim, Nueva York, NY. Snow también ha logrado reconocimiento internacional, exponiendo en varias instituciones de prestigio, como Deutsche Guggenheim, Berlín, Alemania; Jeu de Paume, París, Francia; Palais de Tokyo, París, Francia; y Saatchi Gallery, Londres, Reino Unido. El trabajo de Snow está incluido en la colección permanente del Museo Solomon R. Guggenheim, Nueva York, NY; la Colección Charles Saatchi, Londres, Reino Unido; la Colección Zabludowicz; y en la Colección Dikeou, Denver, CO.

Andre Walker (n. 1967 en Londres, Inglaterra, Reino Unido) emigró a Estados Unidos a principios de los setenta con su mamá peluquera y su hermana Sandra.

Andre Walker es un diseñador, director creativo, comentarista cultural, estilista y artista nacido en Londres y criado en Nueva York con una larga carrera en la creación de moda masculina y femenina de lujo, zapatos, joyas, accesorios y pieles junto con su práctica de pintura y medios mixtos. Reverenciado por su visión purista, Andre también es conocido por crear sueños con sus fascinantes e hipnóticos bocetos y acuarelas oníricos que se yuxtaponen con su enfoque modernista: intenso pero juguetón, audaz pero etéreo.

Andre ha sido ganador del prestigioso premio ANDAM otorgado por el Ministerio de Cultura de Francia y ha obtenido un Doctorado Honoris Causa de la Academy of Arts University, San Francisco, culminando en el mito cultural que se ha ido desarrollando a su alrededor a lo largo de su diversa y carrera dentro de la comunidad de diseño de Nueva York, París y Londres.

Evitando las reglas de temporada habituales y las limitaciones del calendario internacional de la moda con sus colecciones y presentaciones implacables, Andre se ha mantenido selectivo y fiel a sí mismo siguiendo un camino auténtico y divertido, a menudo tomando descansos para explorar otras vías creativas. Este enfoque único de su trabajo asegura que conserva la inocencia, la pureza y la ingenuidad que es tan seductora y ha llevado al patrocinio de muchos de los pesos pesados ​​de la industria de la moda como Rei Kuwakubo, Kim Jones y Virgil Abloh. Las colaboraciones de diseño clave incluyen Comme des Garcons, Dover Street Market, Yves Salomon, Louis Vuitton y Marc Jacobs.

Las exposiciones clave incluyen 'The Casual Pleasure Of Disappointment' en Thaddaeus Ropac, un esfuerzo de colaboración con Bjarne Melgaard y Rob Recine, y 'Non Existant Patterns' en le Musée du Louvre en París patrocinado por Pendleton Woolen Mills. Participaciones artísticas anteriores a tener en cuenta: Mattress Factory 96/97 Andre Walker, Greer Lankton y Yayoi Kusama realizan instalaciones separadas para la institución, curadas por Margery King del Museo Andy Warhol. Andre tiene un fervor por lo improvisado, lo histórico, lo "invisible", por los productos y diseños con herencia y procedencia, y durante mucho tiempo ha sido un defensor de la sostenibilidad en muchos aspectos de su trabajo y vida personal.

ACERCA DEL CURADOR:

K.O. Nnamdie (n. 1991, Eket, Nigeria) es curador, asesor de arte y artista con sede en Manhattan, Nueva York. Nnamdie trabaja como director de proyectos en anonymous gallery, además de dirigir Restaurant Projects, un proyecto curatorial y un servicio de asesoría de arte impulsado por la investigación con sede en la ciudad de Nueva York. Restaurant Projects, fundado en 2018, se basa en el interés de Nnamdie en la intersección entre la hospitalidad y las artes.

En su papel en la galería, Nnamdie proporciona contribuciones exploratorias, curatoriales y promocionales que respaldan la programación existente de la galería, al tiempo que define específicamente varias iniciativas públicas en la ciudad de Nueva York. Nnamdie fue el comisario de la célebre exposición de la galería The Ecology of Visibility con Lutz Bacher, Mary Manning, Frank Benson, Frances Stark y Puppies Puppies (Jade Kuriki Olivo). En 2020, Nnamdie organizó una recaudación de fondos para la organización sin fines de lucro Towards Utopia, y con artistas como Nan Goldin, Ryan McGinley, Malike Sadibe y Luke Gilford, recaudaron más de $ 100,000 en apoyo a las mujeres trans negras y trabajadoras sexuales que habían quedado fuera del alivio del COVID-19. Nnamdie ayudó a organizar el Pabellón Ruso con la curadora Elise by Olsen para la Bienal de Arquitectura de Venecia en 2020. Nnamdie da la bienvenida a su primer libro, Doktor, que abarca una década de fotografías, publicado en diciembre de 202.

ACERCA DE LA GALERÍA:

anonymous es una plataforma para el arte contemporáneo, el arte público y la participación comunitaria. Desde 2008, la galería se ha comprometido a presentar proyectos ambiciosos con artistas internacionales emergentes, a mitad de carrera e históricamente importantes. anonymous gallery opera tanto en la ciudad de Nueva York como en la Ciudad de México.